Lynyrd Skynyrd - The Ballad of Curtis Loew

Por algún motivo, durante años no le cogí el punto al Second Helping aún siendo uno de los discos más aclamados de Lynyrd Skynyrd y siendo yo un fan absoluto del debut. Hace relativamente poco pude acabar de congeniar con el disco en gran parte gracias a una canción preciosa de ésas que tienen algo especial llamada "The Ballad of Curtis Loew". Recomiendo también leer la letra:

Well, I used to wake the mornin'

Before the rooster crowed

Searchin' for soda bottles

To get myself some dough

Brought 'em down to the corner

Down to the country store

Cash 'em in, and give my money

To a man named Curtis Loew

Old Curt was a black man

With white and curly hair

When he had a fifth of wine

He did not have a care

He used to own an old Dobro

Used to play it 'cross his knee

I'd give old Curt my money

He'd play all day for me

Play me a song

Curtis Loew, Curtis Loew

Well, I got your drinkin' money

Tune up your Dobro

People said he was useless

Them people all were fools

'Cause Curtis Loew was the finest picker

To ever play the blues

He looked to be sixty

And maybe I was ten

Mama used to whoop me

But I'd go see him again

I'd clap my hands, stomp my feet

Try to stay in time

He'd play me a song or two

Then take another drink of wine

On the day old Curtis died

Nobody came to pray

Ol' preacher said some words

And they chunked him in the clay

Well, he lived a lifetime

Playin' the black man's blues

And on the day he lost his life

That's all he had to lose

Play me a song

Curtis Loew, hey Curtis Loew

I wish that you was here so

Everyone would know

People said he was useless

Them people all were fools

'Cause Curtis you're the finest picker

To ever play the blues

Discos con inicios poco acertados

Tengo una pequeña debilidad o manía personal: cuando un disco empieza con una canción no muy adecuada me cuesta algo conectar con él.

No quiero decir que juzgue un disco por su primer tema o que se deba empezar siempre con una composición genial, pero necesito que los discos empiecen adecuadamente. Eso para mí equivale a, obviamente, un buen tema (no necesariamente de los mejores) pero que además te motive a adentrarte en el disco y que se corresponda con lo que te vas a encontrar.

Con el tiempo me di cuenta de que cuando no me encontraba eso me costaba un poco conectar con el disco. Al final me acababa gustando igualmente si era bueno, pero la primera impresión se volvía un poco fría, porque siempre que lo ponía empezaba ese tema y pensaba "Vaya, lo recordaba mejor", hasta que me daba cuenta de que es solo un inicio poco acertado.

Obviamente sé que es una chorrada. En todo caso, he aquí algunos discos con los que tuve ese problema:

- Badfinger - Straight Up: cuando lo puse por primera vez y me encontré que empezaba con un medio tiempo bueno pero falto de chispa me pregunté si Badfinger no serían un grupo de un solo disco (y es que el inicio del No Dice es infalible). Por supuesto no es así, y de hecho el tema inicial "Take It All" es un buen tema, pero muy poco adecuado para iniciar un álbum.

- Television - Adventure: como ni dios se acuerda de Adventure, cuando sonó "Glory" no me extrañé demasiado. Un tema menor sin ese sonido tan chulo de Television, así que me mentalicé que Television son un grupo de un solo disco. Pero no es así, Adventure es un auténtico discazo. En este caso sí que puede que esa canción quede bien como inicio pero el problema es que es, en mi humilde opinión, la peor de todo el disco.

- America - Hat Trick: empezar un disco con una canción de amor de un roedor gigantesco no suele ser muy buena idea. "Musktrat Love" fue el single del disco, pero como inicio es muy muy tibio.

- Mott The Hoople - All The Young Dudes: nunca empieces con el tema más flojo del disco. Y menos si es una versión que jamás podrás igualar, como es "Sweet Jane". No da muy buena impresión.

- The Kinks - Face to Face: en este caso, "Party Line" es quizá la que menos me gusta del álbum, venía de escuchar el fabuloso Something Else, un disco rebosante de ideas y personalidad, y al oír éste empezando con un tema pop impersonal y del montón me dio un bajón.

- Wishbone Ash - Pilgrimage: uno de los más irritantes que conozco en un disco que me guste, "Vas Dis", una versión de jazz con scat que adaptada al sonido rockero de Wishbone Ash se me hace muy irritante.

Neil Young - Powderfinger

Una de mis canciones favoritas de Neil Young y una de mis letras favoritas de la historia del rock.

Look out, Mama,

there's a white boat

comin' up the river

With a big red beacon,

and a flag,

and a man on the rail

I think you'd better call John,

'Cause it don't

look like they're here

to deliver the mail

And it's less than a mile away

I hope they didn't come to stay

It's got numbers on the side

and a gun

And it's makin' big waves.

Daddy's gone,

my brother's out hunting

in the mountains

Big John's been drinking

since the river took Emmy-Lou

So the powers that be

left me here

to do the thinkin'

And I just turned twenty-two

I was wonderin' what to do

And the closer they got,

The more those feelings grew.

Daddy's rifle in my hand

felt reassurin'

He told me,

Red means run, son,

numbers add up to nothin'

But when the first shot

hit the docks I saw it comin'

Raised my rifle to my eye

Never stopped to wonder why.

Then I saw black,

And my face splashed in the sky.

Shelter me from the powder

and the finger

Cover me with the thought

that pulled the trigger

Think of me

as one you'd never figured

Would fade away so young

With so much left undone

Remember me to my love,

I know I'll miss her.

The Rolling Stones - Black and Blue (1976)

Black and Blue (1976) es un disco raro en la carrera de los Stones. Fue el primer álbum que grabaron desde que el guitarrista Mick Taylor dejó la banda y se encontraban por entonces en una época algo rara e inestable en que empieza a notarse cierta sequía creativa. El álbum, grabado junto a varios músicos que estaba tanteando la banda, fue resumido por Richards como un disco que se basaba simplemente en probar con diferentes guitarristas.

No fueron pocos los nombres que barajaron Richards y Jagger, incluyendo Jeff Beck o Rory Gallagher (los cuales no encajaban en absoluto en el perfil que buscaban y eran demasiado independientes). En la grabación del álbum estuvieron involucrados Peter Frampton (aunque no hay ninguna contribución suya en la mezcla final), Wayne Perkins, Harvey Mandel (Canned Heat, John Mayall) y, por supuesto, Ron Wood.

En realidad Wood era la elección obvia y perfecta desde el principio: de todos ellos era quien tenía un estilo más parecido a los Stones, entrar en la banda sería uno de sus mayores sueños y se llevaba bien con Richards. Normalmente habría entrado instantáneamente a reemplazar a Taylor, pero Wood seguía ligado bajo contrato con los Faces, y los Stones no estaban por la labor de esperar a que Wood estuviera libre.

Así pues, Wood acompañó a los Stones en su enorme tour por EEUU de 1975 sin poder ser aún un miembro de la banda por los lazos que le unían a los Faces, y no fue hasta cuando se separaron los Faces un año después cuando sucedió lo más lógico y fue oficialmente admitido como segundo guitarrista.

Volviendo a Black and Blue, se trata por tanto de un álbum repleto de artistas invitados a los que la banda estaba tanteando. No solo guitarristas, también andan por ahí Billy Preston y Nicky Hopkins a los teclados. La sensación que da el resultado final es de un disco relajado pero normalito. No es ni por asomo uno de los discos flojos de la banda, pero tampoco de los mejores, se encuentra entre los intermedios, ésos que los fans como yo disfrutamos y los que no lo sean tanto no tendrán muchos motivos para escucharlo.

Las canciones me dan la impresión de no ser muy memorables, como si los Stones hubieran compuesto ocho temas normalillos y a partir de ahí les fueran dando forma tocando con su estilo característico. El resultado final es bueno porque eran tan buenos músicos que incluso con el piloto automático les quedaba algo decente en aquella época, pero no se sostiene al lado de sus obras clásicas.

El disco se inicial con un tema funk, "Hot Stuff", bastante repetitivo y que se me hace algo cansino y con un Harvey Mandel muy desaprovechado. "Hand of Fate", al igual que los otros tres temas rockeros del disco, son lo mejor y más disfrutable del álbum (atentos en el vídeo que puse al solo de guitarra del chico nuevo). Las otras dos son "Hey Negrita" y "Crazy Mama", quizá la mejor de todas.

"Cherry Oh Baby" es una versión de reggae (los Stones son de esas bandas que por desgracia no le hacían ascos a este tipo de música). Como no me gusta el género desconozco si es un buen tema que me repele por el estilo que tiene o si realmente es una tontería de canción. En todo caso me la suelo saltar y es, junto a la primera del disco, mi menos favorita del álbum. La otra rareza es un tema de toques jazz llamada "Memory", curiosa.

Y finalmente las dos baladas. Ambas tienen un estilo similar, con fuerte presencia de teclados y algo empalagosas aunque efectivas. "Memory Hotel" es quizá demasiado larga pero a cambio está bien llevada con algunos versos cantados por Richards. La otra es el gran clásico del disco: "Fool To Cry" y seguramente sea el mejor tema del álbum. Es un tema en que Jagger abusa peligrosamente del falsete y que sin embargo funciona y siempre me agrada escuchar.

En definitiva, un disco de notable, agradable de escuchar pero no magistral (de hecho confiaba que me gustaría más de lo que ha hecho, pero aún así no me ha costado cogerle el punto). Sería con su siguiente obra, Some Girls (1978) cuando recuperaron el pulso en gran parte gracias a Jagger poniendo un poco de orden y a Wood asentándose definitivamente como guitarrista para dar más estabilidad a la banda. Pero ésa es otra historia...

El "mito" del punk VS dinosaurios del rock

Cuando yo empecé a ponerme en serio en esto de la música rock siendo un joven inocente e influenciable, una de las primeras cosas que aprendí es que sobre 1977 surgió un movimiento musical muy importante llamado punk que revolucionó el rock. El punk era un retorno al rock simple y contundente alejado de la música que hacían las principales bandas de la época y supuso una auténtica revolución. Con la llegada del punk, todos estos grupos que hasta ahora dominaban la escena (los dinosaurios, como los llamaba la gente) vieron afectadas sus carreras por esta nueva ola musical que acabó con ellos.

Durante años yo siempre he dado esta explicación por buena. No tenía por qué ponerla en duda, es la teoría que todos conocen y dan por buena, ¿por qué iba a ser falsa? Sin embargo con el tiempo me fui encontrando con excepciones que refutaban un punto fundamental de esta teoría, y es que los grupos punk acabaron con las carreras de los grupos dinosaurios en los 70. Yo al menos tenía entendido que en esos años ya la gente fue perdiendo interés por el rock dinosaurio y prefería nuevas tendencias como el punk o la incipiente new wave, y que todos esos grupos dinosauricos pasaron un mal trago al no saber qué hacer en ese panorama. Pero cada vez más a menudo encontraba ejemplos que no encajaban con esa idea. Y ha llegado un punto en que creo que ya puedo decir que no es del todo cierta.

Antes de continuar debo hacer un inciso para evitar confusiones:
- No niego la enorme e incuestionable importancia de la música punk.
- No niego la necesidad de que surgiera un movimiento como el punk para devolver el rock a sus raíces.
- No tengo nada contra la música punk aunque sea un estilo que no suelo oír más allá de algún disco de los Ramones y The Damned.
- Este post NO es una crítica a la música punk.

Bien, sigamos.

Yo cada vez encontraba más casos de grupos considerados dinosaurios que en los años del punk siguieron sacando discos que A) seguían siendo buenos y, sobre todo, B) siguieron teniendo mucho éxito a nivel popular. ¿Algunos ejemplos?

• Queen en 1977, el año clave del punk, sacaron el exitoso News of the World, grabado a solo unos metros del Nevermind the Bollocks de los Sex Pistols y con dos de los mayores himnos de su carrera. A éste le siguió el año siguiente el también exitoso Jazz que tenía tan poco de punk como de jazz.
• Pink Floyd grabaron en 1977 Animals, un disco de puro rock progresivo con 3 temas extensísimos, la antitesis del punk. Fue un éxito de ventas al que le siguió una excesiva gira por estadios con cerdos voladores. Para el siguiente no se contuvieron, de hecho al contrario, sacaron The Wall, que arrasó aún más.
• Yes, la banda antipunk por excelencia tuvieron éxito no solo con Going for the One en 1977 sino también con su continuación, el tan criticado Tormato (1978) al que le siguió un tour de estadios.
• Supertramp, otra banda absolutamente antipunk tuvo su mayor éxito de popularidad en aquellos años con discos que arrasaron en el mundo entero como Even in the Quietest Moments (1977) y Breakfast in America (1979).
• Los Rolling Stones, muy criticados también por los grupos punk y estando ya supuestamente acabados, respondieron en 1978 con un sonoro puñetazo en la mandíbula que es Some Girls. Aunque se dice que es su disco punk, la gran mayoría de las canciones del disco no tienen nada que ver con el estilo.
• Led Zeppelin suelen citarse como una de las principales víctimas del movimiento punk. La realidad es que en esos años estuvieron en inactivo por problemas personales que venían de antes del resurgir punk y que cuando volvieron en 1979 con In Through the Outdoor fue el retorno musical más esperado de la época. En algún sitio leí que el éxito del disco salvó a la industria musical americana del desastre.

Me he centrado únicamente en bandas inglesas, ya que el movimiento punk tuvo fuerza a nivel popular especialmente en Reino Unido. En Estados Unidos nunca llegó a explotar con la misma fuerza y por tanto resultaría absurdo hacer una lista así con nombres como Fleetwood Mac, Eagles o Crosby Stills & Nash, los reyes de la radiofórmula por entonces.

Todos los discos que he citado llegaron al Top5 de las listas de éxitos de su momento y todos los que salieron a la venta sobre 1977 fueron seguidos por otro álbum igualmente exitoso al año o años siguientes, así que tampoco sirve la excusa de que son álbums que salieron cuando el movimiento aún estaba empezando. Y por supuesto se podrían buscar más ejemplos de "excepciones" como Genesis o Paul McCartney.

Eso no quiere decir que no hubiera grupos afectados por estos cambios musicales, pero creo que se ha idealizado mucho el impacto del punk ya que fue algo que se percibió más a largo plazo (los discos punk fueron más influyentes que la mayoría de álbums que he citado aquí, eso es cierto) que en su momento. Y que conste que hablo sobre todo de datos objetivos (éxito de ventas) y no tanto de calidad musical, pero si hablamos también de lo segundo, casi todos los álbums citados anteriormente siguen estando muy bien considerados.

Por otro lado, lo que acabó con muchas bandas dinosauricas fue (aparte del agotamiento y las tensiones entre miembros del grupo) otro movimiento musical que también arrasó en su momento aunque no tenga tanto pedigrí como el punk: la música disco. Ése fue el estilo musical que hundió a muchas bandas y artistas y les hizo hacer discos vergonzosos, más que el punk.

Así pues, sin pretender menospreciar el movimiento punk, intento aquí en este post dar un nuevo punto de vista a una visión que se ha acabado convirtiendo en un tópico de ésos que se repiten hasta la extenuación. Al menos bajo mi humilde punto de vista.

Thee Oh Sees - Castlemania (2011)

Este año estoy descubriendo un número inusualmente alto de discos actuales para lo que suelo oír yo. De todas estas novedades la que me ha llamado más la atención y la que me ha impactado de forma más marcada es sin duda el último disco de Thee Oh Sees llamado Castlemania.

De entrada que conste que yo no sabía quiénes eran los Thee Oh Sees más allá de sonarme su nombre de haberlo leído por ahí. En todo caso, aunque parece que son una banda de garage el disco que estoy comentando no lo clasificaría como garage. En realidad no sé cómo clasificarlo, y ése es uno de los aspectos positivos del álbum.

Castlemania es un ejemplo de un tipo de disco que me encanta y que hoy en día no encuentro en los géneros que sigo: un disco heterogéneo y colorido, que discurre casi como una montaña rusa, en que de un tema a otro puede pasar cualquier cosa. Cada canción tiene exactamente el sonido que necesita, con detalles muy cuidados que me recuerdan mucho a los discos de este estilo de los 60.

Supongo que puestos a clasificarlo lo metería en el saco de la psicodelia, pero en realidad es un álbum que va por libre, a veces es más popero, a veces más garage y a veces se vuelve muy loco. De hecho esta gente están muy locos. Y eso me gusta,

Hay temas más machacones junto a otros más ligeros, y en las primeras escuchas puede dar a veces la sensación de que pierden algo el norte, pero no es así. El inicio del disco ya es bastante sintomático de lo que uno va a encontrar, pasando en menos de 10 minutos de la bizarra "I Need Seed" (esa melodía y voces tan machaconas me llamaron mucho la atención como primera toma de contacto) a una excentricidad como "Corprophagist (A Bath Perhaps)" y la bruta "Corrupted Coffin", hasta esa pequeña obra maestra psicodélica que es "Stinking Cloud". En ese mismo disco hay espacio para momentos más ruidosos (que van más en la línea de lo que he oído de sus anteriores obras) y al mismo tiempo para sorpresas como un tema puramente ambiental llamado "The Horse Was Lost" o una canción dulcemente tenebrosa como "I Won't Hurt You".

Es uno de esos discos que no te acabas y que captura a la perfección el espíritu musical de los 60. Una pasada.

We’re deeead, deeead, dead as I’ve already said...

Las tensiones internas de Supertramp

A estas alturas todos conocemos mil historias sobre grupos cuyos miembros se llevaban a muerte entre ellos manteniendo una relación de necesidad-odio. Sin embargo a mí el caso de Supertramp me parece interesante porque contrapone a dos personas en concreto que además tenían formas de ser muy dispares y se vieron de repente en una de las bandas más exitosas del momento dependiendo totalmente el uno del otro.

En primer lugar tenemos a Rick Davies: músico de formación blues-jazz, pianista de voz profunda, introvertido y pragmático. En segundo lugar está Roger Hodgson: cantante, guitarrista y teclista de formación esencialmente pop, de ideología más bien hippiosa, muy interesado en temas espirituales. De entrada no parecen una pareja con mucho futuro, pero lo cierto es que cuando se conocieron creyeron tener mucho en común y se aliaron para dar forma a su banda Supertramp.

No sé si fue casualidad o por culpa de un tema de egos tras saborear el éxito, pero su relación empezó a enfriarse a raíz de su tercer álbum Crime of the Century, a la postre su primer gran triunfo comercial y artístico. Desde entonces ya nada volvería a ser igual entre ellos, pero aguantaron juntos ya que después de todo se necesitaban mutuamente al ser los dos líderes del grupo.

Según tengo entendido, durante la grabación de Breakfast in America aún mantenían esa relación de tenso respeto mutuo con ciertas diferencias creativas (por ejemplo a Rick no le gustaban algunas de las canciones de Roger pero su carácter evasivo y práctico le llevaba a no decir nada al respecto, supongo que además se olía que esos temas tenían madera de hits). Sin embargo en dos temas del disco ambos expusieron abiertamente su difícil relación y la incapacidad por entenderse mutuamente: Rick lo hizo en "Casual Conversations" y Roger en "Child of Vision", donde la crítica es tan abierta que hasta el propio Rick canta unos versos que hay de diálogo entre ellos dos:

El álbum fue el mayor éxito de su carrera, pero después de la mastodóntica gira del Breakfast in America la tensión llegó a un punto insostenible. Roger Hodgson de entrada hizo una propuesta extraña e impopular: cambiar a todos los músicos de la banda por otros. Según él, Supertramp habían llegado a su cima y necesitaban un cambio de aires para poder seguir sin estancarse, y un cambio de banda pensaba que les ayudaría. Davies sin embargo se negó en rotundo ya que no quería cambiar de banda después de haber encontrado una formación de Supertramp que funcionaba a la perfección. Tampoco coincidieron en el enfoque del nuevo álbum, y si bien cada uno siempre contribuía especialmente a una faceta musical del grupo, sus diferencias no eran tan grandes como en este caso: Roger obviamente quería continuar con el lado pop de la banda, pero Rick quería volver al rock progresivo de años atrás. No consiguieron llegar a ningún acuerdo y ...Famous Last Words... se grabó en un ambiente enrarecido.

Sabiendo que la ruptura estaba a punto de llegar, cada miembro del grupo se reservó algunas composiciones para futuros álbums: en el caso de Hodgson se reservó algunos ases en la manga para su carrera en solitario y en el caso de Davies se guardó algunos temas para el siguiente disco de Supertramp, Brother Where You Bound, donde esperaba tener la libertad de hacer lo que quisiera.
El álbum además lo grabaron Hodgson y Davies completamente por separado en dos estudios diferentes. Estaba claro que la situación era insostenible y si el resultado final resultó ser bueno fue gracias a que su talento como compositores consiguió salvar un álbum que surgió en un contexto bastante precario.

Finalmente antes de la gira se llegó a un acuerdo: como la ruptura ya era no solo inevitable sino necesaria, Hodgson sería quien abandonaría el grupo. De los dos era quien tenía más talento para crear hits radiofónicos además de tener más carisma para seguir por su cuenta que el introvertido Davies, siempre escondido tras el piano, por tanto resultaba lógico. Pero por otro lado tampoco tenía mucha elección: resultaría muy violento quedarse él en la banda después de haber sugerido reemplazarlos a todos.

Y aquí llegó entonces el gran punto conflictivo de la separación de Supertramp que aún a día de hoy lleva a numerosas discusiones entre fans: el trato que hicieron Hodgson y Davies. Hodgson le dijo a Davies que le dejaba quedarse con la banda y el nombre de Supertramp, que era en aquella época una garantía segura de éxito. Él tendría que buscarse la vida solo, por ello a cambio quería poder contar con sus canciones como bote salvavidas, así pues el trato era que sólo él interpretaría sus composiciones en vivo. De esta forma Davies se quedaba con Supertramp y Hodgson con sus hits como reclamo para el público, un trato justo. La gira se inició sin demasiadas novedades una vez quedó claro que iba a ser la última que realizarían juntos. Roger anunciaba en cada concierto que ésa era su última gira con la banda, de modo que la gente sabría que iba a iniciar una carrera en solitario.

El primer álbum de Supertramp sin Roger fue Brother Were You Bound (1985), que funcionó bastante bien y gustó a los fans del grupo, de hecho muchos lo prefieren al ...Famous Last Words... (no es mi caso, a mí no me gusta, no sé si la culpa es el sonido ochentero o que Rick había perdido su inspiración). En su tour de presentación la banda tocó solo temas de Rick (y un par de clásicos del blues en los bises) respetando el trato con Roger. Pero la controversia llegó en la siguiente gira tres años después en que empezaron a caer temas de Roger en el setlist.

¿Por qué rompió Rick el trato? Desde luego no porque él quisiera, ya que por ejemplo a él no le gustaba "Breakfast in America" y bien que la tocaba cada noche. Se dice que por presión de los promotores, pero no lo sé seguro. Lo que está claro es que los fanáticos de Supertramp no tendríamos ningún problema en un concierto compuesto solo de temas de Rick, pero no el gran público, que se sentiría decepcionado sin oír los hits de Roger. Rick era ante todo un hombre pragmático: si el público quiere oír "The Logical Song" pues démosles "The Logical Song", no viene de incluir tres temas de Roger en el setlist para que la gente y los promotores queden contentos.
Roger, claro está, no opinaba igual. Se puso hecho una furia y criticó abiertamente a Rick tildándole de traidor ante cualquier medio que quisiera escucharle, y no sin falta de razón.

A principios de los 90, estando las carreras de Supertramp y Roger bastante estancadas, se habló de una reunión con disco y gira, y durante mucho tiempo los dos volvieron a trabajar juntos dejando atrás las peleas del pasado. Como ya sabemos, al final la cosa no llegó a buen puerto y Rick volvió a juntar a Supertramp sin Roger (ni el bajista Douguie Thomson, que nunca aprobó que se rompiera el pacto de no tocar temas del antiguo co-líder).

El segundo acercamiento serio hacia una reunión tuvo lugar hace unos pocos años, cuando se habló de una gira el 2010 para conmemorar el aniversario del grupo. De nuevo Rick y Roger parecieron reconciliarse para volver a trabajar juntos, y de nuevo la cosa no llegó a buen puerto por temas legales y económicos. Una de las condiciones que pedía Roger era volver a ser el copropietario de la marca Supertramp, y aquí es donde entró en juego la mujer de Rick, la Yoko Ono particular de Supertramp. Sue ha sido la manager del grupo desde que se fue Roger y es conocida en el mundo de Supertramp por ser la clásica mujer de negocios severa e implacable que controla a rajatabla por encima de su marido todo lo que concierne a los aspectos económicos del grupo (o al menos eso se dice). Según parece, en temas de negocios Rick ha sido siempre algo pasota dejando a Sue que lleve las negociaciones, y en este caso volvió a suceder lo mismo que en la posible reunión de los 90: Sue no aceptó las condiciones de Roger y no se llegó a ningún acuerdo.
Aquí es donde debo decir que me dieron ganas de enviar a ambas partes a la porra: a Rick por ser incapaz de conceder algo que en realidad Roger tenía todo el derecho a pedir, y a Roger por anteponer sus condiciones (por muy justas que sean) a una reunión que sabe que es muy esperada por todos los fans del grupo y que probablemente él también tenía ganas de llevar a cabo.

Así pues, en 2010 Supertramp volvieron a girar sin Roger y éste volvió a arremeter contra sus compañeros por interpretar sus temas e incluso llegó a hacer declaraciones sencillamente falsas como que nadie le avisó de la gira de aniversario del grupo. De hecho, aunque entiendo la situación de Roger y su tono crítico hacia Rick, no puedo evitar dejar de simpatizar con su postura al leer como se ha dedicado estos años a repetir de forma tan cansina todo el rollo de que Rick no respetó el pacto, que los fans son engañados, etc. Tiene derecho a quejarse, claro, pero he leído entrevistas ridículas en que Roger sacaba el tema ante cualquier pregunta aunque no viniera a cuenta. Ejemplo, en una entrevista que le hicieron sobre vacaciones (WTF?):

PREGUNTA: ¿Con qué persona no te gustaría irte de vacaciones?
ROGER: Probablemente con mi antiguo socio en Supertramp, Rick Davies. Cuando dejamos de trabajar juntos en 1983 y yo abandoné el grupo, nos pusimos de acuerdo para que él se quedara con el nombre Supertramp pero sólo para interpretar sus propias canciones. Me ha decepcionado, porque rompió ese acuerdo y ahora está utilizando mis canciones para promocionar su gira.

En fin. A día de hoy hemos de conformarnos con los conciertos de Roger en solitario y de los Supertramp de Rick Davies, y parece ser que nunca veremos la tan esperada reunión.

No obstante, siempre nos quedará París...

PD: y precisamente, ahora hablando de Paris las polémicas siguen surgiendo en el seno del grupo. La grabación en vídeo del concierto ha salido ahora a la venta después de que los fans llevaran más de 30 años esperando verla. Y lo que debería ser un gran acontecimiento ha provocado nuevas disputas estúpidas. El DVD ha salido gracias a que el bajista, batería y saxofonista de Supertramp se han aliado para sacar a la venta material antiguo del grupo. Rick Davies sin embargo nunca ha apoyado esas decisiones y se ha mantenido al margen y, mientras tanto, Roger Hodgson ha sacado una carta pública denunciando que el DVD ha salido sin su total consentimiento y que solo colaboró en su producción durante las fases iniciales, dando casi a entender en esa carta que se están aprovechando de los fans y dando argumentos para que no lo compremos. A lo que mi respuesta es "¿De qué puñetas vas, hombre?", los fans llevamos años esperando este momento, nadie ha movido un dedo en serio para tirarlo adelante y ahora que sale en lugar de celebrar ese acontecimiento debemos estar en contra de esa publicación. No hay nada como ser un egocéntrica estrella de rock, ¿verdad?

Uno de los mejores solos de guitarra de la historia

No me digan que no...

1972

Un buen amigo internauta hace años tenía la costumbre de citar en un foro cada mes los discos y hechos musicales más relevantes que sucedieron 40 años atrás.
No voy a imitarle porque es una tarea demasiado ardua como para imitarle pero he pensado que podría citar mis 20 discos favoritos de ese año. ¿Por qué? Porque sí.

Entre los primeros puestos la mayoría son bastante previsibles pero tampoco pretendo ser original, que a veces parece que no quede bien citar clásicos por ser obvios. En fin, éstos serían mis 20 discos favoritos que salieron hace 40 años en riguroso orden:

1- The Rolling Stones - Exile on Main St.

El mejor disco de puro rock jamás grabado. Un manual de 1 hora sobre las raíces del género en todos los sentidos. No es solo la obra cumbre de los Rolling Stones sino una de las obras cumbre del rock.

2- David Bowie - Ziggy Stardust

Hace 40 años un ser de otro planeta llamado Ziggy llegó a la Tierra, pero no para transmitirnos un mensaje de paz o darnos a conocer su civilización, sino para popularizar el glam-rock convirtiéndolo en uno de los géneros más populares de esos años.

3- Todd Rundgren - Something/Anything

Por otro lado, en EEUU un tipo que por entonces se hacía pasar por músico de pop sacó un álbum doble donde interpretaba todos los instrumentos en tres cuartas partes del mismo. Fue su mayor éxito gracias a su facilidad para crear singles efectivos, pero al mismo tiempo los oyentes más avispados ya debieron notar en determinados surcos del álbum que Mr. Rundgren no era un músico pop, o al menos que no aguantaría bajo esa etiqueta mucho tiempo.

4- Yes - Close to the Edge

El rock progresivo también estaba en auge en esa época con discos como éste, una de las mayores obras cumbres del género (para muchos directamente el mayor logro del género). Que un álbum de estas características fuera un inmenso éxito de ventas en aquella época, es uno de los motivos por los que me gustaría haber estado en 1972.

5- Neil Young - Harvest

Para el prolífico Neil Young éste fue un gran año en el aspecto económico al conseguir el mayor éxito de su carrera. Sin embargo, su carácter testarudo e inconformista le hizo despegarse durante los próximos años de Harvest buscando un camino más difícil. Igualmente el disco no deja de ser una obra maestra.

6- Deep Purple - Machine Head

Aprovechando que la gran banda de hard-rock de la época, Led Zeppelin, no sacaban disco este año, Deep Purple contraatacaron con la obra cumbre de su carrera. OK, no fue premeditado pero sí que es, dejando lado gustos, su disco por excelencia, una de esas obras en que casi cada tema es un clásico del género.

7- Mott The Hoople - All The Young Dudes

Bowie no tuvo suficiente con conseguir un éxito descomunal ese año y se dedicó en sus ratos libres a rescatar las carreras de algunos músicos que admiraba pero no tenían la suerte que merecían. En el caso de Mott The Hoople, éstos pudieron por fin alcanzar el éxito que llevaba años esquivándoles y de paso firmar, con la producción de Bowie y un single prestado por éste, una de sus mejores obras.

8- America - Homecoming

Pese a ser considerados una banda menor, este disco para mí se codea sin problema entre los grandes del género. Una combinación magnífico de folk-rock con pop y una portada que se adelanta en décadas al uso de Photoshop para montajes cutres con atardeceres.

9- Genesis - Foxtrot

Por entonces Genesis aún no tenían el estatus de ser una de las más grandes bandas del rock progresivo, pero en realidad ya estaban en su época cumbre creando obras maestras como ésta en la que colaron, como quien no quiere la cosa, uno de los mayores himnos del género. 

10- Elton John - Honky Château

En los primeros 70, Elton John iba a uno o dos discos por año. Lo mejor es que pese a esa presión consiguió crear unas cuantas joyas imprescindibles y un montón de singles de éxito. La presente obra es una de las mejores de su carrera, a medio camino entre el rollo cantautor que llevaba hasta entonces y el glam que abrazaría en sus siguientes discos. Imprescindible.

11- Black Sabbath - Vol. 4

Pese a no ser de los discos más recordados de Black Sabbath a mí me parece su obra cumbre junto al debut. Un álbum donde tienen cabida ese sonido tan oscuro y multitud de ideas que se le pasaron por la cabeza a Tony Iommi en el estudio, dando forma a algunas de las mejores composiciones de su carrera.

12- The Allman Brothers Band - Eat a Peach

Duane Allman ha muerto, pero los Allman Brothers siguen adelante. Este álbum doble es al mismo tiempo un homenaje a su genial guitarrista fallecido y una declaración de intenciones, de seguir adelante pese a haber perdido a su músico más destacado. Los temas en estudio son magníficos y ya anuncian ese sonido más sureño y menos puramente blues, mientras que las versiones en directo son una muestra del poderío de Allman, destacando la monstruosa jam de media hora.

13- Lou Reed - Transformer

Bowie estaba empeñado en que Lou Reed tuviera éxito. Y si hacía falta no solo le producía el disco y le traía a Mick Ronson, sino que le convencía para que se pintara y se uniera a la fiesta glam. Reed acepta pero el mérito es en gran parte suyo al componer un buen número de clásicos del rock (y otros temas menos conocidos pero igualmente geniales) que por fin sedujeron al público. A partir de aquí, Lou Reed por fin pudo seguir solo con apoyo del público.

14- T. Rex - The Slider

Seguimos con más glam-rock, esta vez de mano de Marc Bolan, quien durante cierto período de años se empeñó en colar un hit tras otro en las listas de ventas. El disco que nos ocupa curiosamente no es tan ligero e intrascendente como podría parecer, de hecho hay un gran trabajo tras él y está lleno de detalles que lo hacen tan especial.

15- Roxy Music - Roxy Music

Cuando el público vio a Roxy Music por primera vez en la época debieron pensar que era otro grupo glam que se apuntaba al carro. Error, los Roxy Music ya en su debut dejaron bien claro que tenían una forma muy especial de entender el glam dejando vía libre a experimentos raros, cortesía de Brian Eno antes de empezar sus andanzas en solitario.

16- Premiata Forneria Marconi - Per un Amico

El rock progresivo fue probablemente uno de los géneros que más ramificaciones interesantes tuvo por toda Europa. En el caso de Italia dio lugar a bandas como Premiata Forneria Marconi, que en su momento consiguieron lo impensable: trasladar el éxito fuera de sus fronteras. Dejando de lado el número de ventas, su segundo álbum resiste la comparación al lado de los grandes del género provinientes de Reino Unido.

17- Stephen Stills - Manassas

Stills, un tipo muy inquieto, tuvo en esos años la brillante idea de crear un ambicioso supergrupo donde canalizar sus aventuras en solitario. Manassas, la banda resultante, tuvo una vida corta pero por el camino nos dejó un disco doble que a día de hoy está considerado como la mejor obra de Stills en solitario. Otro apasionante capítulo del universo Crosby Stills Nash & Young.

18- Ten Years After - Rock 'N' Roll Music to the World

La banda de Alvin Lee ya se encontraba por entonces en capa caída dejando atrás sus mejores momentos. Pero eso no quita que aún no tuvieran fuerzas e inspiración para dejar algún gran disco más para la posteridad, como es éste. Se nota que ya no está la magia de antaño, pero aún así la banda sale airosa con un disco de blues-rock que demuestra que aún eran grandes.

19- Nektar - A Tab in the Ocean

Más rock progresivo, esta vez de una banda no muy conocida salvo para los expertos en el género (yo no lo soy, los descubrí por casualidad) pero que tiene en su carrera al menos unos cuantos discos nada desdeñables. Aquí apuestan por un estilo de rock progresivo épico algo hard-rockero que hará las delicias de los aficionados a este tipo de música.

20- Big Star - #1 Record

Un poco de power pop para acabar de mano de una de esas bandas de culto que tanto gustan al no tener nada de éxito en su época pese a crear algunos discos muy buenos. Piedra angular del género con una colección de temazos pop que quizá no encajaban en esa época pero a los que el paso del tiempo ha dado la razón.

Una de las cosas que me gusta de hacer listados de este tipo es comprobar lo apasionante y diverso que era el universo rock en esa época, como en un año como 1972 se encuentran grandes obras de blues-rock, rock progresivo, pop, folk, glam, etc. Y eso reconociendo mis escasos conocimientos, ya que probablemente en otros géneros también había muchas cosas interesantes. Todo esto sucedía al mismo tiempo, varios grupos llegaron a su época cumbre en ese mismo año (Yes, Deep Purple, David Bowie) mientras otros aún estaban por demostrar todo su potencial (Roxy Music, Lou Reed, Genesis) y otros ya estaban en el final de su mejor momento (Ten Years After).

Nótese también la generosa presencia de álbums dobles y que no he incluído directos, ya que ese año salieron a la venta como mínimo dos obras cumbre de discos en vivo: el Made in Japan de Deep Purple y Europe 72 de Grateful Dead.

Si alguno de ustedes echa en falta algún disco fundamental (he decidido no decir cuales se me han quedado fuera), sus comentarios son bienvenidos. Y si necesitan refrescar la memoria, pueden probar en estos dos links:

http://en.wikipedia.org/wiki/1972_in_music

http://rateyourmusic.com/charts/top/album/1972